Arte Premoderno

INTRODUCCIÓN

 Gran parte de la identidad cultural de cualquier lugar reposa en los objetos que estudia la historia del arte. De allí que ésta sea considerada una disciplina fundamental en todo currículo humanista. La formación de una identidad nacional está relacionada con las expresiones culturales y visuales de una nación, y por ende, conocer la cultura visual de un país, resulta esencial para consolidar  su identidad.

El objetivo de esta bitácora de estudio es hacer un recorrido de la historia del arte hasta llegar al arte Premoderno, considerando sus formas de expresión e incidencia social, sus propias expresiones estéticas, arquitectónicas y visuales.

ANTECEDENTES HISTÓRICOS

El arte en su historia, está condicionado a las distintas épocas en que se transcurre. Las manifestaciones pictóricas de la prehistoria son llamadas pinturas rupestres. Estas pinturas se hallan en paredes de cuevas y cavernas, alcanzando grandes dimensiones. La pintura rupestre responde a la expresión de una cultura cazadora, se le atribuye un carácter mágico – religioso porque se presume fueron realizadas como rituales para conseguir buena cacería. Las figuras que pintaban eran de animales, plantas u objetos, escenas de su vida cotidiana, signos y figuraciones geométricas.

puedes visitar el siguiente enlace para leer mas sobre arte rupestre:https://www.eltiempo.com/vida/ciencia/arte-rupestre-revela-fauna-de-la-edad-de-hielo-en-serrania-la-lindosa-552431

Por su parte, el arte antiguo se basó en las distintas civilizaciones donde surge, utilizándose de forma equivalente a las divisiones estilísticas propias de los periodos posteriores de la Historia del arte occidental.

Las expresiones artísticas que desarrollaron los antiguos en especial los griegos tuvieron su fuente de inspiración en el afán natural de comunicación del hombre con sus semejantes, sus dioses y sus antepasados y abarcaron un periodo de casi mil años de duración. Esas expresiones, debían acomodarse a la estructura geométrica, respetando los principios de la proporción, de la simetría y otros conceptos similares. Eran obras monumentales que generalmente tenían carácter simbólico funerario o religioso, sobresaliendo la pintura, la arquitectura, la escultura y la cerámica considerada esta última, un arte menor.

En la época medieval el arte es esencialmente religioso y los temas solían ser figuras de ángeles, santos, apóstoles, corderos. Entre los siglos XII y XV florece en Europa el arte gótico, con marcadas manifestaciones en la arquitectura. Los elementos constructivos esenciales son el arco apuntado, la bóveda de crucería ojival y el contrafuerte con su arbotante.

Ya en el Renacimiento comenzó un movimiento orientado por artistas e intelectuales en Italia, bajo el signo del Humanismo; es un renacer de las artes donde los asuntos representados, desde el punto de vista ético y estético se liberaron de los vínculos del concepto de vida cristiano. Para ellos el arte ya no era un servicio anónimo, ofrecido a Dios y a la iglesia, sino un himno personal en alabanza a la belleza; así, se perfecciona el dibujo y se utiliza como base de la pintura.

La cuna del Renacimiento fue Florencia. Naturalmente la pintura no se liberó en seguida de la influencia gótica, pero gradualmente evolucionó hacia un nuevo concepto de la belleza.

En la primera mitad del siglo IX aparece el premodernismo, tuvo como objetivo principal crear una nueva concepción que toma en cuenta la proliferación de imágenes y colores del nuevo mundo de hoy.

Es el periodo que marca la transición y en el que comienza a mostrarse el reemplazo, la superación y la desaparición de los temas gastados del Romanticismo, producto de lo puramente sensorial y bello. Un rasgo importante del pre modernista es que todos son muy distintos, pero lo común entre todos ellos parece ser el resentimiento contra las condiciones de vida social inmediata.

Los poetas evaden la realidad y se remontan a otros países o culturas mediante imágenes comparativas. Fueron atraídos por el mundo de los colores.

Inmediatamente, aparece en escena, el arte moderno, como innovación frente a la tradición artística del arte occidental, representa una nueva forma de entender la teoría y la función del arte, en que el valor dominante de las llamadas artes figurativas (pintura y escultura) ya no es la imitación de la naturaleza o su representación literal. La invención de la fotografía había convertido esta función artística, hasta entonces esencial (pintores de corte), en algo accesorio, cuando no obsoleto. En su lugar, los artistas comenzaron a experimentar con nuevos puntos de vista, con nuevas ideas sobre la naturaleza, materiales y funciones artísticas, llegando incluso a la abstracción. La Revolución industrial no sólo trajo las innovaciones técnicas que permitieron la arquitectura del hierro y del cristal, sino que cambió para siempre las relaciones productivas y sociales, y con ellas, la posición del artista frente a su cliente.

En Colombia el desarrollo del arte dependió de sus etapas históricas: conquista, colonia, independencia y república, y por último S. XX. El modernismo en Colombia se origina como un cambio en la concepción del arte; análogamente con otros cambios en la política y en la cultura; de los cuales cabe destacar el bogotazo, en el cual algunos analistas afirman que generó los inicios de los grupos subversivos y la necesidad de un cambio en todos los aspectos culturales; el arte colombiano sufriría una gran transformación en 1948, ya que grandes artistas, recrearon la violencia a carne viva con interpretaciones geniales, que sumergen al espectador en los mismos sentimientos del artista, que fusionan el pensamiento del observador con la obra y hacen que la persona sienta la violencia expuesta por el autor, en su cuerpo.

Alejandro Obregón creó un concepto de belleza basándose en la dicotomía de los sentimientos expresados por el artista con el concepto de perfección artística, en la obra de Obregón se encuentra un alma acuciante de la interpretación abstracta de los paisajes tropicales de la costa atlántica colombiana. De la obra de Obregón podemos resaltar el inconfundible amor por la riqueza natural del territorio colombiano que se destaca, en sus obras maestras de cóndores y en la maravillosa interpretación de la flora colombiana; pero lo que hizo de Obregón un artista reconocible en el medio, fue la protesta a la violencia colombiana en sus pinturas, tales como; Violencia (1962).

Observa la siguiente infografía y sintetiza los conceptos:https://www.mep.go.cr/sites/default/files/arte-premoderno.pdf

Estos cambios artísticos, de una época a otra, se originan por las transformaciones en las estructuras económicas, sociales y políticas. Como una respuesta a las nuevas relaciones que surgen en la sociedad que modifican las creencias y originan cambios de comportamientos. El arte se enmarca en nuevas formas de expresión, como una exploración acabada de la visualidad y de las técnicas artísticas, la sistematización de las numerosas disciplinas que giran en torno del fenómeno artístico.

LA EXPRESIÓN PLASTICA, EN LA REVOLUCIÓN INDUSTRIAL

El arte del siglo XX está unido al avance industrial, a la modernización de la sociedad y al expansionismo. Acontecimientos que durante los últimos años del siglo XIX y los primeros del XX le dieron al mundo la posibilidad de intercambiar ideas, imaginarios, imágenes y tendencias.

El arte entra, en efecto, en este juego de conocimientos y reconocimientos, de avances y de comprensión de lo que existía por fuera de los límites de cada nación. Los inicios del siglo XX no trajeron sólo la proliferación del interés por el arte, trajeron el fortalecimiento de la industria y la tecnología, resultado de la Revolución Industrial. Esos cambios dieron origen a transformaciones a nivel social, cultural, económico y político e iniciaron una de las más poderosas reformas sociales, el nacimiento de la cultura burguesa. Una cultura que gestó la revolución social y política de la industrialización, del capitalismo, que se evidenció en innovaciones esenciales para la ciencia y para el arte en todas sus expresiones.

Colombia no es la excepción. Desde finales del siglo XIX el país estaba pasando por un auge artístico; ciudades como Bogotá y Medellín albergaban a los artistas que se habían consagrado durante el siglo anterior y que le estaban facilitando las herramientas a las nuevas generaciones. Pintores y escultores de la escuela clásica se dedicaban a imprimir en sus obras la majestuosidad que las élites del país querían reflejar.

Para ese momento el mundo vivía el florecimiento de nuevas tendencias artísticas. Cubismo, Expresionismo, Futurismo, Dadaísmo, desarrollados antes de la Primera Guerra Mundial, y el Surrealismo, instaurado tras la Segunda Guerra Mundial, dieron las bases para el universo artístico del resto del siglo XX. Todos los artistas tenían que conocer las técnicas, y para estar a la vanguardia, apropiarlas a sus contextos culturales.

Formas del nuevo arte...

En este nuevo arte, el color, la línea, el volumen y la forma constituyen elementos básicos del lenguaje plástico. Responden sobre todo, a criterios emocionales.

Así como el escritor elige sus palabras, construye frases, ordena sus párrafos. El pintor despliega sus colores en la paleta, pinta formas con esos colores en el lienzo, las combina en grupos mayores de tamaño y formas variables. Incluye líneas, colores, luces, sombras y texturas, hasta configurar su obra. El dibujo y la pintura son las formas más extendidas de expresión plástica.

 LA ESTÉTICA MODERNA

 Es ante todo un conjunto de ideales y principios estéticos para ser aplicados en todas las áreas de la vida, incluyendo la apariencia personal, la arquitectura, la decoración, el arte y el diseño. Sus características principales son la sencillez, la limpieza de las líneas y formas geométricas y el uso cuidadoso del color Estas tendencias recibieron el nombre de vanguardias, porque estaban contra el pasado cultural y a favor de la libertad de acción.

Los contenidos estéticos pueden presentarse al gusto de varios sentimientos, donde cada uno de ellos aprehenderá la forma que expresa su espíritu no trascendental.. En el trascendental de la verdad, la forma estética es una construcción de la inteligencia. Pero no de una inteligencia aislada o desprovista de imaginación, sino de una inteligencia que representa un grado superior de la energía cognoscitiva actuando en la sensación, la atención y la imaginación. La facultad cognoscitiva de cada trascendental y los resultados de la misma en la información de la materia, representan una interiorización progresiva en la estructura de una misma energía de la conciencia.

La estética ha penetrado el mundo de la producción moderna acorde a los nuevos tiempos. La imagen se ha vuelto un lugar clave en la comercialización y el consumo. El estilo y la representación del cuerpo son puntos clave donde se apoya el consumo de hoy.

Más aún, a través de la publicidad, existe una proliferación de mundos que tienen sus propios códigos de comportamiento que remiten a ciertas escenas, economías y placeres que sólo pueden ser alcanzados, como en un espejismo, a través del consumo. La sociedad posmoderna va más allá del consumo, sencillamente lo honra y exalta.

Otro de los rasgos centrales de la mentalidad actual es el planteo del humor y lo cómico. En el ámbito de lo cotidiano, no se presenta como sarcástico sino más bien en una dimensión lúdica, relacionada con la seducción y la proximidad de los individuos, el código de comunicación con el otro se establece en clave de proximidad gestual y verbal humorística.

Hoy, todo es divertido, y debe ser así, en un registro cálido y cordial: un humor, que requiere de espontaneidad, naturalidad y se muestra insustancial a la vez que describe un universo radiante.

El humor se incorpora a la seducción junto a otros valores posmodernos como el hedonismo y la banalización en personajes de los medios masivos como: héroes, melodramáticos o personajes burlescos. En los medios masivos, las películas de James Bond, de Indiana Jones y tantas otras de acción norteamericana así como de otros países ponen en evidencia las características de los nuevos héroes. El personaje en cuestión desdramatiza lo real y se caracteriza por una actitud absolutamente relajada ante los acontecimientos más tensionantes de peligro y violencia. La adversidad es atenuada con el humor tranquilo (cool) y resuelto del héroe que escapa a un fantasmagórico mundo agresivo y de alto riesgo.

En la fiesta posmoderna hay un retorno al uso del disfraz, un cierto retorno relajado de lo carnavalesco, pero en este caso no es una recuperación de la tradición, bien por el contrario, el uso del disfraz marca la búsqueda de una sobre diferenciación individualista.

Lejos del conflicto, la significación y el rebajamiento de lo sublime, esta vuelta al disfraz, se produce en un marco de la «suavización de las costumbres» en donde las groserías y las blasfemias ya no producen risa.

La ironía y la parodia ocupan un lugar cada vez más importante en los medios masivos. Paradójicamente, con la sociedad humorística empieza una liquidación de la risa. Se empieza a disolver progresivamente la propensión de reír.

En conclusión...

El arte ha evolucionado a través del tiempo, sus cambios han sido producto de las transformaciones en las estructuras económicas, sociales y políticas. Las primeras manifestaciones artísticas se dieron en la época prehistórica, mediante la pintura rupestre. 

Importantes han sido en este aspecto, las manifestaciones artísticas de las diferentes épocas, marcadas por las creencias religiosas, culturales y sociales. En el arte antiguo prevalecieron las obras monumentales que generalmente tenían carácter simbólico funerario o religioso, sobresaliendo la pintura, la arquitectura, la escultura y la cerámica. En la época medieval el arte fue esencialmente religioso y los temas solían ser figuras de ángeles, santos, apóstoles. En el renacimiento, el arte traspasa el concepto cristiano y se centra en la naturaleza y lo bello. Por su parte, en el premodernismo se creó una nueva concepción que toma en cuenta la proliferación de imágenes y colores imperantes en el mundo actual. Y el modernismo se caracterizó por las llamadas artes figurativas.

Con la Revolución industrial, se dieron nuevas tendencias artísticas, y producto de ello, Colombia hizo parte de ese florecimiento; pintores y escultores expresaron en sus obras la majestuosidad que las élites del país querían reflejar.

Esas nuevas formas de expresiones, impregnadas de color, de líneas de volumen y forma, se pusieron a tono con la época de la revolución industrial y hoy con la tecnológica, muy usadas en la publicidad. La imagen se ha vuelto un lugar clave en la comercialización y el consumo. a través de la publicidad, existe una proliferación de mundos que tienen sus propios códigos de comportamiento que remiten a ciertas escenas, economías y placeres que sólo pueden ser alcanzados, como en un espejismo, a través del consumo. Teniendo incidencia en la estética social. Lo mismo sucede con las demás expresiones artísticas.

Que tal si resumimos todo y reforzamos los conceptos viendo el siguiente video?

BIBLIOGRAFIA

AZCARATE, José y PEREZ, Miguel. Historia del Arte. Editorial Anaya, 1991. España.

CONRADO, Rafael. Historia del Arte en Colombia. Disponible en: sociohumanisticacun.jimdo.com/.../

MARTIN, Fernando. Sobre la postmodernidad y su expresión plástica. Universidad de Sevilla. 1993